COMPARTIR NO ES DELITO

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jueves, enero 30, 2014

LECUONA CUBAN BOYS - LOS AUTENTICOS (1974)


CONTENIDO:

AY MAMA INES
CARNAVAL DEL URUGUAY
CUBA
DESESPERADAMENTE
JOSE DOLORES
MANISERO
MARTA
MI ULTIMA CONGA
NOSOTROS
RUMBA ARGENTINA
SEÑORITA CHI CHI
TI RI TU TA



Lecuona Cuban Boys es el nombre de una popular orquesta de música afrocubana.
Esta orquesta, cuyo nombre original fue "Palau Brothers Cuban Orchestra", fue fundada por el compositor cubano Ernesto Lecuona y se mantuvo activa durante los años treinta y cuarenta.
La principal figura de esta orquesta de 11 miembros fue el pianista y compositor Armando Oréfiche . Otros miembros lo fueron el trompetista, compositor y arreglista Ernesto Jaruco Vázquez, quien en los setenta fuera reemplazado por el músico colombiano Álvaro Serrano Calderon y Adalberto Chiquito Oréfiche como bongosero, cantante y saxo tenor. Los vocalistas que más frecuentemente cantaron para esa agrupación fueron Gerardo Bruguera y Alberto Rebagliatti.
La orquesta realizó exitosas giras en EEUU durante los años treinta y después en los más exclusivos sitios de Europa. En 1934, Ernesto Lecuona enfermó y volvió a Cuba. Este retiro provocó que Armando Oréfiche se hiciera cargo de la orquesta. Al empezar la Segunda Guerra Mundial, la orquesta continuó sus giras en Latinoamérica . Después de algunos problemas sobre la dirección, A. Oréfiche se apartó de su hermano y fundó los "Havana Cuban Boys".
Los Lecuona Cuban Boys se establecieron en Nueva York desde 1949 y continuaron haciendo giras hasta mediados de los años setenta.


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martes, enero 28, 2014

PAUL ANKA (1975)


CONTENIDO:

ONE MAN WOMAN ONE WOMAN MAN
LET ME GET TO KNOW YOU

PAUL ANKA
Paul Anka (nacido en Ottawa, 30 de julio de 1941) es un cantante, controlador de equipo en CSAV, compositor y actor canadiense nacido en el seno de una familia de origen libanés. Como intérprete encaja en el perfil del crooner o cantante melódico anglosajón, en la línea de Frank Sinatra y Tony Bennett, si bien su carrera ha sido desigual. Hoy es acaso más recordado como adaptador del éxito "My Way", que originariamente había sido una canción francesa. En fecha reciente se vio envuelto en un litigio al reclamar la autoría de la canción "This is It", grabada por Michael Jackson y publicada póstumamente como compuesta por dicha estrella del pop.
Tras más de 10 años sin obtener nuevos éxitos, en 1974 formó un dúo con Odia Coates, y grabaron el exitoso tema "Having My Baby", que llegó a la cima de la audiencia. Anteriormente a esto, en 1972 la canción "Jubilation" fue un gran hit mundial así como "Toi E Moi", grabada en 1979 con Mireille Mathieu.
Aparte de esto, el tema "My Way", adaptación por Anka de una canción francesa, se convierte en un clásico mundial con Frank Sinatra y es seguramente la principal razón por la que Paul Anka es hoy recordado. Esta canción ha sido grabada por muchos artistas, tanto melódicos como del rock. Muchos años después, el mismo Anka grabó una versión de ella a dúo con Julio Iglesias.
En 1990 Anka se naturalizó ciudadano de los Estados Unidos. Regresó luego a su ciudad natal donde compró parte del equipo de hockey local, los Ottawa senators. En 1999 viajó a Líbano, para cantar en el Foro de Beirut a sala llena.


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lunes, enero 27, 2014

SANDRO (1969)


CONTENIDO:

EL HOMBRE QUE PERDIO SUS ILUCIONES
ELISA
EXISTE UNA RAZON
HEY HEY
LA CAUSA DE ESTE AMOR
LA VIDA CONTINUA
MI VIEJO CORAZON
SEÑOR COCHERO
SIN SENTIDO
TIEMPO FELIZ
TRIGAL

En los siguientes doce años (1969-1980) Sandro realizó 12 películas y otros tantos álbumes. Ese 1969 publicó dos álbumes (Sandro de América y Sandro) y realizó sus primeras dos películas como protagonista absoluto (Quiero llenarme de ti y La vida continúa). De sus grandes éxitos aparecieron "Rosa, Rosa", "Guitarras al viento", "Hasta aquí llegó mi amor", "Por eso bebo", "Cuando existe tanto amor", entre otras. De entonces son sus obras más famosas: Rosa, Rosa (la más vendida de su carrera) en primer lugar y Trigal, en el segundo. El 2 de agosto recibió en Nueva York un disco de oro por haber sido el artista latinoamericano con mayor cantidad de discos vendidos en los EE.UU.
Simultáneamente con el estallido de su popularidad, aceptó el apodo de Gitano, que eligió para él un productor, en reconocimiento de sus supuestos ancestros gitanos y, en especial, a su abuelo paterno, un húngaro que se cree perteneció al pueblo Rom que terminó radicándose en la Argentina. El tema de su apodo ha despertado varias controversias. Hay quienes sostienen que el mismo fue simplemente un producto del marketing, ya que no es seguro que Sandro tuviera ascendencia gitana.
En 1970 estrenó dos películas más, Gitano (donde representa el papel de un gitano latinoamericano llamado Roberto Vega acusado de un crimen que no cometió) y Muchacho, así como el álbum de esta última película.
A comienzos de ese año, el 11 de abril de 1970, se convirtió en el primer artista latino en actuar y llenar el famoso estadio del Madison Square Garden, en Nueva York, actuando en vivo en dos recitales, frente a más de 50.000 espectadores, en lo que también fue la primera transmisión vía satélite de un cantante en la historia de la televisión mundial llegando a toda Latinoamérica. Sin embargo, existe la duda de si realmente llegó a retransmitirse el concierto en directo, ya que Nicolás Mancera, el presentador, había contratado el satélite en la misma franja horaria para la retransmisión del lanzamiento del Apolo XIII y aparentemente, solo se podía retransmitir un programa al mismo tiempo.
Llevó su espectáculo musical a todos los países de las Américas y el Caribe, incluyendo EE.UU. y Canadá, alcanzando los primeros lugares de todas las listas de la canción popular latinoamericana.
La canción Porque yo te amo (1968), se convirtió en su carta de presentación mundial: «Por ese palpitar, que tiene tu mirar».
Con una fama que se extendió por todo el mundo, se convirtió en ídolo y representante del continente, comenzando a ser conocido con el nombre de su noveno álbum, Sandro de América, en tanto que la grabadora CBS lo consideró el n.º 1 de la región. Por ese entonces, Sandro junto a otros compatriotas, como Leo Dan, Palito Ortega, Leonardo Favio, Piero y Luis Aguilé y cantantes iberoamericanos como el castellano Nino Bravo y el puertorriqueño José Feliciano, consagraron la balada romántica como máximo género musical de América Latina (íntimamente vinculada a su vez a la telenovela como género televisivo). De todos ellos, Sandro fue el baladista más roquero de todos.
En el año 1971 comenzó convocando a 60.000 personas en Buenos Aires en el estadio de San Lorenzo durante los carnavales.
Ese año lanzó el álbum Sandro Espectacular (que incluye "Dame el fuego de tu amor"). Y actuó como protagonista en dos películas, Embrujo de amor (junto a la actriz española Carmen Sevilla) y Siempre te amaré realizando también la música del film ¡Arriba juventud! Ese año fue premiado en Francia en el Festival Internacional de Cantantes Galos y luego fue invitado a cantar en el Festival de la Canción de San Remo (Italia), actuación que repetiría al año siguiente.
En 1972 fue el primer artista en cantar en el Luna Park de Buenos Aires, hasta entonces un ámbito exclusivamente boxístico, con un amplio éxito. En EE.UU. recibió el premio Grand Ball al cantante del año, y las llaves de la ciudad de Miami. Lanzó un álbum de estudio nuevo (Te espero...). También se estrenó ese año su octava película, Destino de un capricho, en el que interpreta el papel de Daniel. Sandro llenó el estadio Maracaná en Brasil.
En 1973 Sandro celebró los diez años desde su primera grabación, lanzando un álbum titulado Sandro: Después de 10 años, en el que se incluye el tema Mi amigo el puma, y estrenó su novena película, El deseo de vivir.
En los años restantes de la década del 70 editó seis álbumes (entre ellos Sandro... siempre Sandro, Tú me enloqueces y Sandro...un ídolo) y tres películas más: Operación Rosa Rosa (1974), Tú me enloqueces (1976) y Subí que te llevo (1980). En 1978 volvió a cantar en Argentina luego de cinco años sin hacerlo, con un recital a beneficio en el Teatro Ópera de Buenos Aires, transmitido en directo por el Canal 13. También tuvo su propio programa de televisión en Argentina, un show musical titulado "La Hora de Sandro" que se transmitía todos los sábados.
En 1981 fue a Venezuela, donde su canción Cuando yo te amo, era el tema musical de la telenovela De su misma sangre, que lo tuvo como actor y cantante invitado, y que fue un éxito en sintonía en la América Latina y en las comunidades latinas de los Estados Unidos.
Ese mismo año Sandro y Oscar Anderle se separaron, luego de 15 años de trabajar juntos. Sandro se dedicó entonces a buscar un nuevo sonido que le permitiera renovarse sin perder identidad y para ello, se asoció con Rubén Aguilera. El resultado fue la grabación en 1984 del álbum Vengo a ocupar mi lugar. Al lanzamiento del disco siguieron más de ciento diez recitales a lo largo de la Argentina. En esa década de 1980 también protagonizó varias telenovelas. La más recordada es la puertorriqueña Fue sin querer, popular en Puerto Rico aún muchos años después de su transmisión.
En 1986 fue entrevistado por Leonardo Simons en su programa Finalísima, emitido por Canal 9. En donde contó entre otras cosas que inició su carrera a los 17 años cuando el director Joaquín Domínguez, le preguntó: "Pibe, te animás a sacarte el saco" a lo que él contestó obviamente con afirmación.




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sábado, enero 25, 2014

ANDY WILLIAMS (1974)


CONTENIDO:

LOVE'S THEME
YOU'RE THE BEST THING THAT EVER HAPPENED TO ME

Howard Andrew "Andy" Williams (3 de diciembre de 1927 - 25 de septiembre de 2012) fue un cantante estadounidense que grabó dieciocho álbumes de oro y tres de platino. En parte, es conocido por el tema «Moon River» de 1962.
Williams nació en Wall Lake, Iowa, hijo de Jay Emerson y Florence (de soltera Finley) Williams. Su primera presentación musical fue en un coro de niños de una iglesia presbiteriana. Williams y sus tres hermanos mayores, Bob, Don y Dick formaron el cuarteto Williams Brothers a finales de 1938, y se presentaron en emisoras de radio del medio oeste, en primer lugar en WHO en Des Moines, Iowa, y más tarde en WLS de Chicago y WLW en Cincinnati.
Su carrera en solitario comenzó en 1953. Durante la década de 1960, Williams se convirtió en uno de los vocalistas más populares en el país.
Entre sus álbumes de éxito de este período se encuentran Moon River, Days of Wine and Roses (número uno durante 16 semanas, a mediados de 1963), The Andy Williams Christmas Album, Dear Heart, The Shadow of Your Smile, Love, Andy, Get Together with Andy Williams y Love Story. Estas grabaciones, además de su afinidad natural para la música de la década de 1960 y principios de 1970, se combinaron para hacer de él uno de los principales cantantes de música ligera de la época. En el Reino Unido, Williams alcanzó las primeras posiciones de las lista de éxitos hasta 1978. Los álbumes Can't Help Falling In Love (1970), Andy Williams Show (1970), Home Lovin Man ( #1 1971), Solitaire (1973), The Way We Were (1974) y Reflections (1978) llegaron a los primeras diez casillas de popularidad.
Williams en el Moon River Theater en Branson, 2006.
Fué promotor de un grupo musical importante en la década de los 70's: The Osmond Brother, principalmente a su vocalista Donny Osmond.
El 3 de octubre de 2009, Williams presentó en vivo en Strictly Come Dancing de la BBC en Londres, cantando «Moon River» para promover la edición británica de The Very Best of Andy Williams, que alcanzó el puesto número diez en la lista pop principal.


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viernes, enero 24, 2014

EXITOS DE VERANO (1979)


CONTENIDO:

CHICO NOVARRO - UN PUEBLO PARA LOS DOS
ETHEL ROJO - Y YO ESTARE POR TU AMOR A LA ESPERA
FERNANDO DE MADARIAGA - VAS EN BUSCA DE OTRA VIDA
INDUSTRIA NACIONAL - UN AMOR MUY ESPECIAL
LOS POCKER'S - NECESITAS QUE TE QUIERAN
MANTO NEGRO - RECORDAR EL PASADO ES SENTIRSE VACIO
MANTO NEGRO - TE DEJO SOLA
MARIO MILITO - ESTE ES MI REGALO MAMA
MARIO MILITO - TENEMOS UNA HISTORIA
PABLO ALEJANDRO - QUE LINDO FUE QUERERTE
ROSAMEL ARAYA - SUFRIR
TIBERIO - LLAMAME

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jueves, enero 23, 2014

NAVIDAD CON PAUL MAURIAT (1972)


CONTENIDO:

JINGLE BELLS
NOCHE DE PAZ
RIN RIN
WHITE CHRISTMAS

Paul Mauriat (Marsella, 4 de marzo de 1925 - Perpiñán, 3 de noviembre de 2006), fue un director de orquesta francés, que se especializó en realizar arreglos orquestales de música popular. Se dio a conocer con el éxito logrado por la grabación de "El amor es Triste" (L'amour est bleu) del compositor francés André Popp, y que fue la # 1 durante 5 semanas en 1968 en las listas de Estados Unidos.
Mauriat creció en Marsella y comenzó con su propia banda durante la Segunda Guerra Mundial. En la década de 1950 se convirtió en director musical de por lo menos dos conocidos cantantes franceses, Charles Aznavour y Maurice Chevalier, a quienes acompañó en diversas giras.
En 1958 grabó su primer EP, previo a en 1959 firmar contrato con la compañía Bel-Air. En 1965 inició una relación comercial con el sello Philips, donde realizó la mayor parte de sus grabaciones y estuvo vinculado a ella hasta 1993.
En 1998 realizó su última actuación al frente de su orquesta, la cual siguió actuando.
Para los aficionados a la radio, merece la pena mencionar que la sintonía de inicio del veterano programa de Radio 3 (RNE) Flor de Pasión es un tema de Serge Gainsbourg grabado por Paul Mauriat, "Attends ou va-ten". En la actualidad su música se encuentra en la programación de Radio 620 (de México), en el programa El catálogo de la música que llegó para quedarse.


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miércoles, enero 22, 2014

BEE GEES FEVER - STEPPING STONE (1979)




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lunes, enero 20, 2014

PAUL MCCARTNEY & WINGS (1974)


CONTENIDO:

JET
LET ME ROLL IT

"Jet" es una canción de Paul McCartney y su banda Wings y forma parte de su álbum Band on the Run de 1973, fue editada como sencillo en 1974. La canción alcanzó el n.º 7 en las listas del Reino Unido y EE.UU., el 30 de marzo de 1974. Junto con "Helen Wheels" y "Junior's Farm", es otra canción de McCartney, donde su principal inspiración para componer la canción surgió en la vida cotidiana.1 Se grabó principalmente en los estudios de EMI en Lagos, Nigeria.


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domingo, enero 19, 2014

ABARACADABRA (1971)


CONTENIDO:

AQUEL PUÑADO DE ARENA
DEL BRAZO DE OTRO
DOMINGO EN BUENOS AIRES
EL EXTRAÑO MUNDO DE LA MUSICA
EN MI PAIS
ESTOY METIDO CONTIGO
NIÑA DE CABELLOS LARGOS
SEREMOS ETERNOS
SI DIOS QUIERE VOLVERAS
SOUL DEL SUR
SUR
UNA MUJER

Probablemente, para los adolescentes de hoy, "abracadabra" sea solo un término relacionado con magia, trucos o brujería. Para quienes tienen entre 25 y 30 años, debe de ser el nombre de un dúo que esporádicamente realiza conciertos en distintos puntos del país.
Mas para los que llegaron a los 40 o apagaron ya sus 50 velas, la palabra "abracadabra" hace estallar un volcán de nostalgia en su interior. Los remite al famoso cuarteto argentino que, en la década de 1970, se ancló en Costa Rica, arrancó suspiros, puso a cantar a toda la gente y dio origen a centenares de romances.
¿Qué pasó con ellos?
Así fue. El grupo, compuesto por Manolo Droblas, Orlando Bertarini y los hermanos Víctor y Miguel Kapusta, se grabó para siempre en el recuerdo de una generación de ticos que hicieron fila en las afueras del antiguo salón Versalles, el cine Rex, el club Unión, el hotel Crystal, discotecas y gimnasios. Todo con tal de escuchar a Abracadabra interpretar canciones como Son tantas noches ya; Un lugar, un café; Yo me voy, tú te vas; La distancia; Perderás y Aquel puñado de arena, entre otras.
Si bien el conjunto se desintegró a finales de 1976, la mayoría de estas piezas siguieron escuchándose.
Por eso, la noticia de que el cuarteto se reunirá de nuevo para hacer dos únicas presentaciones en vivo (el 16 y 17 de mayo, en el Costa Rica Contry Club y en el hotel San José Palacio, respectivamente), ha emocionado muchísimo a los viejos fans y causado gran expectativa entre muchos jóvenes que crecieron oyendo a sus padres hablar del grupo.
La seducción
Fue el 15 de diciembre de 1972 cuando estos cuatro muchachos de pelo largo y pantalones campana tocaron por primera vez en Costa Rica. Su debut tuvo lugar en el Club Unión.
Para entonces, ya estaban consolidados en América del Sur, donde sus éxitos se programaban día y noche en la radio.
Aunque los discos del conjunto no se conseguían todavía en Costa Rica, radio Mil se encargó de hacer famosa su música. Roberto Giralt Castro, desde entonces gerente general de esa radioemisora, viajó a Argentina en 1971, escuchó la música de Abracadabra y decidió darla a conocer en el país con el tema Por una mujer.
Como la pieza fue tan exitosa, se amplió el repertorio de canciones del grupo, se empezaron a transmitir también entrevistas pregrabadas y se iniciaron las gestiones para traerlos a Costa Rica, relata Rafael Felo Fuentes, actual director de producción de radio Mil.
El empresario Carlos Lachner Guier, uno de los socios de esa emisora, aún recuerda cómo se abarrotaban todos los lugares donde daban presentaciones.
Recuerdo vivo
A pesar de los años transcurridos, muchos ticos siguen cantando los éxitos de esta agrupación.
La prensa de aquellos años dedicaba amplios espacios a informar sobre las actividades de la agrupación, especialmente cuando se acercaba una de sus visitas al país.
Tan buena impresión les causó Costa Rica a Víctor, Manolo, Miguel y Orlando, que programaron más y más giras. Entre 1972 y 1974 se presentaron en diferentes salones y dieron conciertos en festivales intercolegiales de instituciones como La Salle, el Sión y el Saint Clare.
"Nosotros siempre les seguíamos la pista. Íbamos a algunos de los conciertos y nos aprendíamos las canciones de Abracadabra para después cantarlas en serenatas. Siempre había alguna que se ajustaba para la ocasión", recuerda Rafael Mora Gamboa, quien, en aquella época, era estudiante universitario.
Él, como muchos otros costarricenses, todavía recuerdan la letra de canciones como Quédate; Domingo en Buenos Aires;Estoy metido contigo; Luna de Xelajú e Imagínate.
La tradición era que, en casi todos los espectáculos, Abracadabra se presentara después de un grupo o artista nacional como Paco Navarrete o el conjunto Vía Libre que, por cierto, se creó en 1973 y tuvo influencia de las corrientes del cono sur que se escuchaban a través de emisoras como radio Mil y Titania.
"Fue una época muy especial para cantarle al amor. Nosotros, al igual que otros conjuntos como Amigos, Manantial o Gaviota, no podíamos escapar al fenómeno que desataban grupos extranjeros como Abracadabra, Banana o Donald", evocó Fernando Castro Sandí, fundador de Vía Libre.
Igual opinión tiene el compositor Carlos Guzmán, de Gaviota, quien siempre admiró a estos artistas argentinos por la forma en que tocaban los instrumentos y los interesantes juegos que hacían con sus voces.
Aunque todos cantaban, Miguel se encargaba de la batería; Orlando, de los teclados; Manolo, del bajo, y Víctor, de la guitarra.


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sábado, enero 18, 2014

BARRY WHITE (1974)


CONTENIDO:

HONEY PLEASE CAN'T YOU SEE
NEVER NEVER GONNA GIVE YOU UP

Barry White (nacido como Barrence Eugene Carter) (n. 12 de septiembre de 1944 - 4 de julio de 2003), fue un artista estadounidense del género soul, exitoso en la década de los ’70 y ’80.
Caracterizado por un timbre bajo, muy grave y ronco, ganó muchos premios y reconocimiento por su estilo varonil, romántico y profundo. La gran parte de sus canciones están enfocadas en fusiones de diferentes géneros, uno de ellos relacionado con la atracción y el entusiasmo que se siente hacia el sexo femenino.
Durante su carrera editó 26 álbumes y llegó dos veces al Nº 1 del Hot 100 en su país, con las canciones que lo hicieron mundialmente famoso: "Love's Theme", "Can't Get Enough of Your Love, Babe" y "You're the First, the Last, my Everything", las dos ultimas del álbum "Can't Get Enough" de 1974.
Falleció en 2003 debido a una insuficiencia renal crónica.
Se crío en el gueto negro de la ciudad de Los Ángeles (lugar de alto grado en los márgenes de crimen), en el seno de una familia pobre. Esto se vio reflejado en su adolescencia, pues formó parte de una pandilla juvenil desde los 10 años de edad. A los 15 años fue encarcelado junto con su hermano durante dos meses por el robo de unos neumáticos. En su autobiografía, White dice que esa experiencia le cambió la vida, permitiéndole enfocarse en lo que realmente quería. Inspirado por la canción “It's Now or Never” de Elvis Presley, y que escuchó en prisión, decidió cambiar de vida y de amigos.
Sin embargo, desde muy niño entró en el mundo de la música ya que su madre tocaba el piano y le enseñó algunos ejercicios de escalas -y que el mismo White abandonó por desgana-. Más tarde entró a una fraternidad en la que tocaba el piano y cantaba en el coro de la iglesia. Rápidamente fue promovido a Director del Coro.
En 1990 comentó a una revista que su voz profunda apareció de repente cuando tenía catorce años: "Nos asustó a mí y a mi madre cuando hablé esa mañana; fue completamente inesperado; mi pecho tembló, quiero decir vibró; mi madre sólo me miraba, estaba asombrada. Lo próximo que supe fue cuando su cara de asombro se transformó en una gran sonrisa; las lágrimas le corrían por la cara y me dijo: ‘Mi hijo es un hombre’".
Durante los años 60 grabó varios discos bajo su nombre real y como integrante de grupos como “The Upfronts”, “The Atlantics” y “The Majestics”. Sin embargo, su mayor éxito en la década vino como productor de artistas como Felice Taylor y Viola Wills.
En 1969 creó “Love Unlimited”, un trío vocal femenino compuesto por Diane Taylor, Glodean James (su futura y segunda esposa en 1974) y la hermana de esta última Linda, cuyo primer éxito llegó en 1972 con “Walkin' In The Rain With The One I Love” (#14 en el Billboard Hot 100 y al #6 en el R&B), un tema compuesto por White. También creó la orquesta de 40 instrumentistas “Love Unlimited Orchestra”, y que serviría de compañía para él y su trío. Él dirigía, componía y arreglaba para esta estructura.
En 1973 y tras su éxito con su primer álbum “I’ve Got So Much To Give” (del que se extrae su gran éxito “I'm Gonna Love You Just a Little More Baby”, que llegó al #1 en la lista de R&B y al #3 en el Pop Charts), Barry White había abierto un nuevo camino para que esta música saliera del marasmo en que se había estancando con la llegada de los '70. Con un éxito en el bolsillo es mucho más fácil imponer ideas en los despachos de quienes mueven el presupuesto. White había conseguido la orquesta que quería, la reunió en el estudio y editó “Rhapsody in White”, el álbum que contenía el mítico “Love’s theme” (#1 Pop en 1974).
Aquí comienza la nueva historia de un artista al que América conoce como “The Maestro”. Un hombre que buscaba sobre todas las cosas un sonido seductor, apoyado en una de esas voces que parecen entrar directamente en la médula espinal. Tras “Love’s Theme” empezaron los discos de amor. White ha intentado siempre que sus discos tengan una unidad de estilo y temática, huyendo de los viejos álbumes de soul repletos de buenas canciones, pero desligadas entre sí. Y la temática de Barry White siempre ha sido el amor, la seducción, la pasión, la ruptura de tabúes hasta fundir su voz con el corazón de cada una de sus oyentes femeninas.


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viernes, enero 17, 2014

ALTEMAR DUTRA - (EN CASTELLANO) (1974)


CONTENIDO:

BENDITA ERES
COMO DESEO SER TU AMOR
CUIDADO
DONDE ESTAS
EX AMOR
INJUSTICIAS DEL AMOR
MAS QUE UN SALUDO
QUE SERA DE MI EN ESTA CIUDAD
SOÑAR PARA QUE
TRISTEZA SIN SOLUCION
TUDO OU NADA
VIVO SOLO EN LA MULTITUD

Altemar Dutra de Oliveira (6 de octubre de 1940 — 9 de noviembre de 1983) fue un cantante de música popular brasileña, muy destacado en el género de bolero. Exitoso en Latinoamérica fue intérprete de temas como: Brigas, Sentimental Demais, O Trovador y Que Queres Tu de Mim. Una buena parte de sus canciones fue escrita por la dupla musical conformada por Evaldo Gouveia y Jair Amorim. Ha sido aclamado como «El rey del Bolero» en Brasil.
Inicio de su carrera
Su carrera tuvo comienzo actuando para la Radio Difusora de Colatina, en Espírito Santo -localidad a donde su familia se había mudado-, interpretando melodías de Francisco Alves. Antes de cumplir la mayoría de edad emigró a Río de Janeiro, portando una carta de recomendación destinada al compositor Jair Amorim, quien lo puso en contacto con sus amistades del medio artístico. Probó suerte como crooner en diversos centros de espectáculo.
Primer disco
Grabó su primer disco en el sello Tiger con el título:Saudade que vem (Magalhães y Célio Ferreira) y Somente uma vez (Luís Mergulhão e Roberto Moreira). Hacia 1963, fue llevado por Amorim al programa Boleros Dentro da Noite de Radio Mundial, el mismo año Joãozinho del Trío Yrakitan, lo presentó en Odeón en donde firmó contrato, consiguió colocarse en los primeros lugares de las listas de popularidad con el tema Tudo de mim (Evaldo Gouveia y Jair Amorim) logrando el ser conocido en todo Brasil.
Carrera internacional
En 1964 grabó con gran éxito: Que queres tu de mim, O trovador, Sentimental demais y Somos iguais (todas de Evaldo Gouveia y Jair Amorim). Destacó en América Latina, efectuando presentaciones en varios países y grabó un Larga Duración al lado de Lucho Gatica, bajo el título: El bolero se canta así. Conteniendo sus éxitos versionados al español; llegó a vender más de 500 mil copias tan sólo en Latinoamericana. Después de dominar las listas de popularidad locales, ya para 1969, se lanzó a la conquista de Estados Unidos, convirtiéndose en poco tiempo en uno de los cantantes extranjeros más populares en la Unión Americana. Era anfitrión de un show para la comunidad latinoamericana, en el club nocturno El Continente, en Nueva York cuando falleció a los 43 años de edad a causa de un derrame cerebral.
Estuvo casado con la cantante Marta Mendonça, con quien procreó dos hijos, Deusa Dutra y Altemar Dutra Junior, siendo éste último, heredero de la tradición artística.


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jueves, enero 16, 2014

BEE GEES (1975)


CONTENIDO:

JIVE TALKING
WIND OF CHANGE

Los hermanos se reunieron a finales de 1970, escribiendo canciones acerca de sufrimientos y soledad. Aunque habían perdido la atracción de las listas británicas, los Bee Gees llegaron al puesto #3 con el tema "Lonely Days" (del LP que los vio reunirse 2 Years On) y tuvieron su primero número 1 con "How Can You Mend a Broken Heart?" (de álbum Trafalgar). El talento del trío fue incluido en la banda sonora del fílme de 1971 Melody (1971 film) producido por Alan Parker donde grabaron varias canciones para la película. En 1972, llegaron al lugar #16 con "Run to Me" del LP To Whom It May Concern; este single marcó la vuelta de los Bee Gees al Top Ten británico por primera vez en tres años.
Por 1973 los Bee Gees se hallaban en una rutina. El álbum, Life in a Tin Can, y su single principal, "Saw a New Morning," vendieron de una pobre forma, llegando al puesto #94. Éste fue seguido de un álbum que no fue lanzado (conocido como A Kick in the Head Is Worth Eight in the Pants). Un segundo álbum compilatorio, Best of Bee Gees, Volume 2 fue lanzado en 1973, aunque no repitiendo el éxito del Volumen 1.
Con el aviso de Ahmet Ertegün de su nuevo sello discográfico estadounidense Atlantic Records, Stigwood ordenó al grupo que grabara como el afamado productor musical y de soul Arif Mardin. El LP resultante, Mr. Natural, incluyó algunas baladas y un presagio de la dirección hacia el R&B que la banda tomaría por el resto de la carrera. Pero cuando el álbum no convenció a la audiencia, Mardin los animó para que trabajaran con el estilo musical del soul.
Los hermanos intentaron montar un estudio en vivo que pudiera replicar el sonido del estudio. El guitarrista principal Alan Kendall había llegado al grupo en 1971, pero no tenía muchas tareas desde Mr. Natural. Para ese álbum, agregaron al baterista Dennis Bryon, y posteriormente agregaron al teclista ex-Strawbs Blue Weaver, completando así la "Banda de los Bee Gees" de la década de los 70. Maurice, que había previamente actuado con el piano, guitarra, órgano, mellotron y bajo, así como una "exótica" mandolina y el moog (Sintetizador), redujo su tarea en el escenario al bajo.
Gracias a la sugerencia de Eric Clapton, los hermanos se trasladaron a Miami, Florida, para grabar a principios de 1975. Después de comenzar con baladas, ellos habían eventualmente atendido la opinión de Mardin y Stigwood y empezaron a desarrollar un disco más rítmico, en canciones como "Jive Talkin'" y "Nights on Broadway." Este último muestra los primeros intentos de Barry Gibb por cantar en falsetto, en las voces de fondo y casi al final del tema. A la banda le gustó el nuevo sonido resultante, y esta vez al público le gustó, mandando así el LP Main Course, que se volvió el primer álbum de R&B por parte de ellos en las listas. El falsete de Barry se volvería un elemento básico de las siguientes grabaciones. Mardin ya no podía trabajar con el grupo después, pero los Bee Gees llamaron a Albhy Galuten y Karl Richardson quien había trabajado con Mardin durante las sesiones de Main Course. este equipo de producción llevaría a los Bee Gees por el resto de los años 70.
El siguiente álbum, Children of the World, estuvo empapado en el recién hallado falsetto de Barry y el sintetizador de Blue Weaver con aires disco. Liderado por el sinlgle "You Should Be Dancing," empujó a los Bee Gees a un nivel de estrellato que ellos no habían tenido anteriormente en EUA, aunque su nuevo sonido R&B/Disco no era tan popular con algunos duros fans de los 60's. La banda de los Bee Gees estaba ahora más cerca de un acto de rock, con guitarra rítmica y batería verdadera detrás del falsete.
Seguido del exitoso álbum en vivo, Here at Last... Bee Gees... Live, los Bee Gees coincidieron con la película "Saturday Night Fever", en la cual las letras de su nuevo álbum cuyo nombre era "Night Fever" fueron coincidencia, perfectas para el filme ya que ellos aseguran que escribían su nuevo disco sin saber de la existencia de la nueva película soundtrack de Fiebre de Sábado Por La Noche. Sería el punto decisivo de su carrera. El impacto cultural de la película y el soundtrack fue tremendo, no solo en EUA, sino también en el resto del mundo, trayendo la naciente escena disco a la escena dominante de la época.
Tres sencillos de Bee Gees ("How Deep Is Your Love", "Stayin' Alive", y "Night Fever") alcanzaron el #1 en Estados Unidos y en la mayoría de los países alrededor del mundo, lanzando el período más popular de la éra disco. Además escribieron "If I Can't Have You" que se volvió un hit #1 interpretado por Yvonne Elliman, mientras que la propia versión de Bee Gees fue el Lado B de Stayin' Alive. Tanta fue la popularidad de Saturday Night Fever que dos versiones diferentes del tema "More Than a Woman" fueron puestos al aire, una por los Bee Gees, que fue relegada a ser un track de álbum, y otra por Tavares, la cual fue el hit. El sonido de los Gibb era inevitable. Durante un período de ocho meses, desde el comienzo de la temporada navideña de 1977, los hermanos escribieron seis canciones que se mantuvieron en el puesto #1 en los Estados Unidos por 25 de 32 semanas consecutivas: tres canciones bajo el nombre de la banda, dos del hermano de los Gibb, Andy Gibb y el single de Yvonne Elliman.
Impulsada por el éxito de la película, el álbum rompió records múltiples volviéndose el álbum más vendido en la historia hasta ese punto. SNF ha vendido cerca de 40 millones de copias alrededor del mundo, haciéndolo el soundtrack más vendido de todos los tiempos.
Durante esta era, Barry y Robin escribieron "Emotion" para Samantha Sang, quien la llevó al Top Ten hit (los Bee Gees cantaron las voces de apoyo). Un año después, Barry escribió la canción del título de la película Grease, basada en el musical de Broadway del mismo nombre. Ésta versión la cantó Frankie Valli, llegando al número #1. De una vez, cinco canciones escritas por los hermanos Gibb estaban en el U.S. Top Ten al mismo tiempo. Fue la primera vez que esta situación de dominancia en las listas se repetía desde 1964, cuando los Beatles lideraron con 5 sencillos en el top 5 americano.
En 1978, Barry Gibb se volvió en el único compositor de letras en tener cuatro números uno consecutivos en Estados Unidos, quebrando el record de John Lennon y Paul McCartney impuesto en 1964. Éstas canciones fueron "Stayin' Alive", "Love Is Thicker Than Water", "Night Fever", e "If I Can't Have You".
En 1976, los Bee Gees grabaron tres covers de los Beatles —"Golden Slumbers/Carry That Weight", "She Came in Through the Bathroom Window" y "Sun King" —para el documental histórico All This and World War II. Los tres Bee Gees también coestelarizaron éste trabajo con Peter Frampton en la película Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978) .El filme había sido fuertemente promocionado previo al lanzamiento, y fue esperado como un éxito para disfrutar de un gran éxito comercial. Finalmente la desilusión provocada por el filme provocaron duras palabras de los críticos, y la indiferencia del público.
Durante este tiempo, el hermano más joven de los Bee Gees, Andy, siguió a sus hermanos mayores en la carrera musical, disfrutando de un considerable éxito. Producido por Barry, los tres primeros sencillos de Andy Gibb tocaron todos el tope de las listas de Estados Unidos. Lo que vino después de Saturday Night Fever por parte de los Bee Gees fue el álbum Spirits Having Flown. Produjo tres sencillos mas en el #1: "Too Much Heaven", "Tragedy", and "Love You Inside Out." Esto les dio a los Gibb seis sencillos en el #1 en Norteamérica dentro de un año y medio (una marca sobrepasada solo por Whitney Houston). "Too Much Heaven" terminó como la contribución musical de los Bee Gees al Music for UNICEF Concert en la Asamblea General de las Naciones Unidas en enero de 1979, una función benéfica por parte de los Bee Gees, Robert Stigwood, y David Frost para la UNICEF que fue transmitido mundialmente. Los hermanos donaron las ganancias de la canción a la caridad.
Los Bee Gees incluso tuvieron un hit country en 1979 con "Rest Your Love On Me", el lado contrario del single "Too Much Heaven", escrito por Barry llegó al Top 40 en las listas de música country. En 1981, Conway Twitty llevó "Rest Your Love On Me" al tope de dicha lista musical.
El infrenable éxito de los Bee Gees tuvo su auge y caída con la burbuja del disco. A fines de 1979, la música disco fue decayendo en popularidad, y la reacción violenta contra el disco puso a la carrera americana de los Bee Gees se fue en picada. Las estaciones de radio de todo Estados Unidos empezaron a promocionar el "Bee Gee Free Weekends" (Fines de semanas libres de Bee Gees). Con su increíble despegue de 1975 a 1979, los Bee Gees solo lograron un Top Ten mas en Estados Unidos, y nada más hasta 1989. La popularidad internacional de la banda tuvo un pequeño daño.


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miércoles, enero 15, 2014

EN TU PIEL LOS MH POSITIVOS (1975)


CONTENIDO:

CARL & CARLA - SALT AND PEPPER
DANY - ENFERMO POR VOS
DIEGO VERDAGUER - SI FUERA OTRA VEZ AYER
I CUGINI DI CAMPAGNA - ENAMORADA
LEO SAYER - ONE MAN BAND
LOS PEKENIKES - LA MARCHA DE LOS SALTAMONTES
MANTRA - YO TENGO AQUI
MARCELO DUPRE - JUNTOS Y ENAMORADOS
POP CONCERTO ORCHESTRA - SHE WEARS A RAINBOW
QUARTOSISTEMA - GRANDE GRANDE UOMO
SILVESTRE - APRENDIMOS
THE ORIGINAL BIMBO STAR - BIMBO

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lunes, enero 13, 2014

NELSON RIDDLE (1962)


CONTENIDO:

LOLITA YA YA
ROUTE 66 THEME

Nelson Smock Riddle, Jr. (1 de junio de 1921 – 6 de octubre de 1985) fue un conocido director de orquesta, arreglista y orquestador estadounidense cuya carrera se desarrolló desde finales de los años cuarenta hasta comienzos de los ochenta.
Riddle es conocido sobre todo por su obra para Capitol Records, proveyendo arreglos jazzísticos de big band para acompañar a cantantes como Frank Sinatra, Dean Martin, Nat King Cole, Judy Garland, Peggy Lee, Louis Prima y Keely Smith. Más tarde, su talento arreglístico fue también usado por Ella Fitzgerald, Shirley Bassey, Matt Monro, Linda Ronstadt y otros. Sus arreglos se caracterizan por una orquestación innovadora con melodías enfrentadas y una instrumentación que expresa las emociones de cada verso de una canción.
En 1962 Riddle orquestó dos álbumes para Ella Fitzgerald, Ella Swings Brightly with Nelson y Ella Swings Gently with Nelson, su primer trabajo juntos desde el disco Ella Fitzgerald Sings the George and Ira Gershwin Songbook de 1959. A mediados de los sesenta volvieron a colaborar en el último de los 'Songbooks' de Ella, dedicado a las canciones de Jerome Kern (Ella Fitzgerald Sings the Jerome Kern Songbook) y Johnny Mercer (Ella Fitzgerald Sings the Johnny Mercer Songbook).
En 1963, Riddle se unió a la nueva discográfica de Sinatra, Reprise Records. La mayor parte de su trabajo en los sesenta y setenta fue para cine y televisión, incluyendo su exitoso tema para Route 66, arreglos para la banda sonora de algunos episodios de Batman y de otras series de televisión, y de películas del Rat Pack como Robin and the Seven Hoods y la original Ocean's Eleven.
A finales de los sesenta, su relación con Sinatra se fue deteriorando y el cantante empezó a decantarse por Don Costa, Billy May y otro tipo de arreglistas para sus proyectos musicales. Aunque Riddle escribiría aún varios arreglos para Sinatra hasta finales de los setenta, Strangers In The Night, 1966, fue el último disco completo que los dos completaron juntos. El grupo de temas arreglados por Riddle pretendía ser una expansión del éxito de la canción principal, que había sido un número uno arreglado por Ernie Freeman.
Durante los setenta, la mayoría de su trabajo fue para cine y televisión, incluyendo la música para la versión de 1974 de The Great Gatsby, que le proporcionó a Riddle su primer Óscar tras haber sido nominado anteriormente unas cinco veces. En 1973, trabajó como director musical para el ganador de un Emmy The Julie Andrews Hour. Nelson Riddle actuó también en numerosos conciertos a lo largo de los setenta, en algunos de los cuales estuvo dirigido por su buen amigo Tommy Shepard.
En 1982, Riddle fue contratado por Linda Ronstadt y el productor Peter Asher para escribir los arreglos para un disco de pop que Ronstadtto había estado preparando durante un tiempo. El resultado final fue un contrato para tres álbumes que resultaría ser el último trabajo arreglístico de la carrera de Riddle.
1982 significó el último trabajo de Riddle con Ella Fitzgerald, en su último disco oquestal para Pablo, The Best Is Yet to Come.
Los arreglos para los temas de Ronstdat "What's New" (1983) y "Lush Life" (1984) le supusieron su segundo y tercer Óscar (el último póstumamente en 1986).
En 1985, Riddle murió a los 64 años por problemas en el hígado. Está enterrado en el Hollywood Forever Cemetery.
Después de su muerte, sus últimos tres arreglos para el disco de Ronstadt For Sentimental Reasons (1986) fueron dirigidos por Terry Woodson.
En febrero de 1986, el hijo pequeño de Riddle Christopher, un destacado trombonista, asumió la dirección de la orquesta de su padre. La Nelson Riddle Orchestra continúa haciendo giras en la actualidad, rindiendo tributo a Riddle interpretando los arreglos que había hecho para Frank Sinatra y otros.
En 1998, su segunda mujer Naomi vendió la casa de Riddle en Bel Air para que fuese usada para establecer el Nelson Riddle Archives de la Universidad de Arizona, que abrió sus puertas oficialmente en 2001. La inauguración se hizo con un concierto de las obras de Riddle, con Linda Ronstadt como artista invitada.
En 2000, Erich Kunzel y los Cincinnati Pops realizaron un disco de homenaje a Nelson Riddle titulado "Route 66: That Nelson Riddle Sound" para Telarc Records. El álbum presenta adaptaciones orquestales extendidas de arreglos originales de Riddle proporcionadas por el Nelson Riddle Archives, y se presentó en un formato digital que fue entre los primeros en ser realizado en multi-canal SACD.
Riddle se había casado por primera vez durante su estancia en el ejército en 1945 con Doreen Moran. La pareja tuvo seis hijos; en 1968 se separaraon y su divorcio se hizo oficial en 1970. Meses más tarde, se casó con Naomi Tenenholtz, entonces su secretaria, con quien permanecería hasta el final de sus días.


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